Crítica: Verbo

Soy una persona que tiene 24 años y que empieza a vislumbrar los 25 allí en el horizonte. Con esto quiero decir que no hace tanto tiempo que dejé de ser un adolescente, siete u ocho años más o menos. Como adolescente, todos hemos tenido nuestros actos de los que nos sentimos avergonzados. En mi caso era ver series como Al salir de clase, donde los adultos se disfrazaban de jovencitos y contaban sus vivencias en un instituto en el que pasaba de todo. Bueno, pues esta serie es lo primero que se me pasó por la cabeza al ver la ópera prima de Eduardo Chapero-Jackson: Verbo.

El director madrileño venía respaldado por su trilogía de cortos, A contraluz. En sus trabajos, dejaba una estampa muy personal, con historias muy oscuras y muy psicológicas, acompañado siempre de unas actuaciones a la altura. Él fue uno de los descubridores de Macarena Gómez a nivel nacional, y ahora pretende hacer lo mismo con Alba García. La diferencia es la buena acogida que tuvo el corto con Macarena a la que ha tenido Verbo.

La película cuanta con un handicap enorme: su público objetivo. Entre el público adolescente su calado puede ser bastante amplio, ya que cuenta con los mensajes que a esa edad se buscan. Cuenta con su ración de rebeldía, de incomprensión, de conflicto con los padres, de problemas en clase... de todo un poco para que los quinceañeros se sientan identificados. Y si eso no funciona, se guardan un doble as en la manga.

Para los que seguían sin caer en los encantos de esta película, ahí entra Miguel Ángel Silvestre junto a Victor Clavijo, Macarena Gómez y Verónica Echegui. Si estas caras no fueran suficientes, imaginadlas soltando rimas cual Dj Kun en sus tiempos mozos. Con todo esto, ¿qué adolescente no saldría encantado de la película?

¿Hola? ¡La gente aún no se ha ido de la sala! 

Parece que estoy poniendo la película por las nubes, ¿verdad? Pues no. No puedo llegar a entender que con el potencial que tiene Chapero-Jackson, pueda llegar a hacer esto. No hay que malinterpretar, ya que viendo la película reconoces la marca del director... pero está adulterada. Más bien está rebajada. Normalmente, una película del madrileño es como tomarte un trago de vozka, y Verbo es como tomarte un Malibú con piña.

La cinta no deja de ser una revisión bastante libre de Don Quijote, donde la protagonista esta vez es Dulcinea que busca a su caballero. El planteamiento podría estar bien, pero al ser tan extremadamente quinceañero, hace que quede muy limitado. La impronta de Chapero-Jackson se intuye más que se ve, y quizás para su primer largometraje, se ha quedado algo encasillado en algo que no es para nada su estilo de cine.

No es su estilo en referencia al cine fácil adolescente. Ese Chapero-Jackson que juega con el comportamiento humano se puede ver en la película, pero no es el mismo tipo de juego que utilizó por ejemplo en Contracuerpo donde Macarena Gómez se metió dentro de un maniquí. Aquí se busca entrar en lo más oscuro de un quinceañero, en su búsqueda de una identidad propia y en lo inexplicable que parecen las acciones de los adultos, todo esto con la ayuda de un submundo que le ayudará la protagonista a vivir, ya que está a punto de suicidarse.

Como hubiera mejorado esto si en ese momento sacaran los tazos y se pusieran a jugar...

Eso sí, Alba García, la apuesta de futuro del director, está muy bien. Absolutamente todo el peso de la película recae sobre ella y cumple las expectativas. Queda la duda de si habrá hecho el papel de su vida o es una firme candidata a estrella nacional. Verbo (el nombre la protagonista liberada, no el nombre de la película) recuerda mucho a la Juani, con la diferencia de que Bigas Luna proyecto a su protagonista a un público más 'choni' y Chapero-Jackson hacia uno más hiphopero y emo.

LO MEJOR: La potencionalidad. Sabemos que en el director hay mucho futuro, aunque no haya empezado con buen pie, y Alba García también tiene una senda que parece que le lleva al éxito. Esperemos que los dos caminos no se pierdan.

LO PEOR: Ese “momento hip-hop” en una especie de montaña rusa donde los protagonistas se circulan gracias a una especie de patines futuristas. En ese momento es cuando uno se plantea salir de la sala de cine.

NOTA: IMDB: 5. Filmaffinity: 4,7. PyP: 4. Me da mucha pena suspender una película de Chapero-Jackson, pero no me queda otra. Una estética muy bonita, como era de esperar de él, pero no convence. Quizás si tuviera diez años menos saldría del cine alucinando con lo que he visto... pero así no.  

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Crítica: La voz dormida

Si hay un tema explotado en España en los últimos años cinematográficamente hablando, es sin duda la Guerra Civil y su posguerra. Benito Zambrano ha optado por adaptar el exitoso libro de Dulce Chacón, La voz dormida, un título ya encumbrado y con el que guiarse en su primera incursión en este tema. Esto es jugar con un arma de doble filo, ya que una mala adpatación podría haberle estrellado, pero no ha sido para nada eso. La película es como es, pero gracias a María León merece la pena verla. Ha pasado de ser “la hermana de”, a una actriz con nombre y apellidos.

Zambrano es un director que masca mucho las cosas antes de grabar. Ha llevado a cabo tres películas: Solas en 1999, Habana Blues en 2005 y La voz dormida en 2011. Eso se nota, y es que cada producción tiene un poco de Zambrano en ella. No se mata por sacar película por año, sino que prefiere cuidar su producto y elegir bien lo que le llega. Con esta manera de actuar, dudo que se equivoque en algún trabajo.

La historia es muy simple, y esa es una de las cosas en las que flojea la cinta. Hortensia (Inma Cuesta) es encarcelada en una prisión para mujeres por pertenecer al Partido Comunista. Ella está embarazada y tiene la esperanza de librarse de la pena de muerte por esa circunstancia. Su hermana Pepita (María León) va desde Córdoba a Madrid para intentar ayudarla en lo que fuera y es contratada de sirvienta en una casa de postín.

Empiezan después a mezclarse apariciones del marido de Hortensia (Daniel Holguín) y sus movimientos de guerrilla junto a su compañero Paulino (Marc Clotet), interesado en ennoviarse con Pepita. En definitiva, se ve una clara situación de desesperación ante la imposibilidad de Pepita por librar de su pena a su hermana, que se quedará sin cuidar a su hija, tras intentar librarse de la condena de todas las maneras posibles. Eso Pepita, porque Hortensia se niega a renunciar a sus ideales.

María León llena la pantalla, pero esta foto la llena la mujer de la derecha... 

María León está impresionante toda la película. Nunca he sido mucho de esta actriz, no me parecía natural actuando, pero gracias a esta cinta se ha revindicado. También es cierto que el papel se ceñía perfectamente al registro que la actriz sevillana puede ofrecer, pero no le quita ningún mérito a un papel que huele a Goya desde que la ves diez minutos. Hay algo muy destacable de esta actriz en esta película concretamente (en sus demás apariciones no tanto, la verdad) y es que te hace sentir orgulloso de tener acento andaluz. Bravo por ella.

Otra que borda un acento andaluz muy natural es Inma Cuesta, algo difícil de comprender cuando ella es valenciana. Cuando digo en estos dos casos que uno se siente orgulloso es cuando después de ver acentos como el de la Juani en Médico de Familia, o de propios andaluces que fuerzan su acento para hacerlo más pronunciado, uno sentía vergüenza ajena. Esta película, y seguro que muy trabajado por Zambrano, hace que salga todo natural, pues si las protagonistas son andaluzas, no se debe ni exagerar ni ocultar el acento, sino hablarlo como se habla.

En las dos últimas películas que he visto salía Inma Cuesta... al final me paso a Águila Roja

Eso sí, no hay dejar de decir, que pese a ser un tema manido, esta es una historia que te llega al corazón. Ver a las dos hermanas separadas por las rejas, apenas escuchándose y hablándose a gritos, hace que hasta al más duro se le ablande el corazón. Zambrano sabe tocar la fibra sensible como ya lo hizo en Solas, y aquí vuelve a dar una lección de sensibilidad. Maneja a la perfección los elementos para que durante toda la película se te forme un nudo en el estómago.

Al final, piensas que pese a estar bien, no es para que fuera a los Oscars. Al igual que Pa negre, no cuenta una historia que a los norteamericanos los llegue, y por lo menos en mi caso, se evidencia más la pena por La piel que hábito, una posibilidad muy real de premio a mejor película de habla no inglesa.

LO MEJOR: Una espectacular María León que se quita el sambenito de ser la hermana de Paco, con un papel que no es cómico (al que está ligado su hermano), y que seguramente sea digno de Goya.

LO PEOR: El tema tan manido de la Guerra Civil. Se hace ya muy repetitivo tanta matraca de fachas y rojos... es un estigma que el cine español arrastra, y que esperemos algún día supere.

NOTA: IMDB: 5,8. Filmaffinity: 7,1. PyP: 6. No llega al nivel de la novela de Dulce Chacón, pero es una obra digna de ver. Los amantes de las películas de posguerra disfrutarán muchísimo, y sobre todo, saldrán con un nudo en el estómago. La historia llega muy dentro, pese a ser previsible y repetitiva en la temática.

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Crítica: Tintín

Robert Zemeckis, muérete de envidia. Spielberg en sólo un intento ha logrado lo que él lleva intentando desde Polar Express, una película con captura de movimiento que no parezca artificial. Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio es la consolidación de esta técnica tan prometedora de animación, que hasta la fecha no estaba totalmente conseguida. Y además Spielberg se ha resarcido un poco del desastre de la última película de Indiana Jones encontrando un héroe que en La calavera de cristal no existió.

Para los profanos en este mundillo, la técnica de captura de movimiento no es animación en si misma. Se eligen actores y se rueda con ellos en un croma, guardando sus movimientos para insertárselos después al personaje (como en aquel episodio de Los Simpsons). Tras ver Beowulf, parecía que esta técnica o se mejoraba mucho, o no iba a ningún lado, y quizás Spielberg haya dado con la tecla.

Esa tecla puede ser el intentar que los personajes no tengan porque parecerse forzosamente a los actores que lo interpretan. En Tintín vemos a la pareja de moda del humor británico, Simon Pegg y Nick Frost, interpretando a los agentes de la Interpol Hernández y Fernández, que como se puede ver, no tienen nada que ver. Pero también ayuda tener a Peter Jackson produciendo junto al propio Spielberg. Jackson ya utilizó esta técnica con King Kong y Gollum en El señor de los anillos, con un éxito relativo.

Centrándonos propiamente en la película, es sorprendentemente buena. Hay que avisar que el aquí escribiente no es para nada fan de Tintín, y salí de la sala del cine muy satisfecho. Spielberg le ha dado una vuelta de tuerca al personaje, convirtiéndolo más en un aventurero que en un investigador. El secreto del Unicornio está llena de acción por todas partes, y quizás, a veces peca un poco de eso. Con tal de acelerar la acción, entra en una espiral de explicaciones banas al desarrollo de la historia.

El borrachín de Haddock es el mejor de toda la película

Pero da lo mismo, una vez que ves la primera escena de acción, sólo quieres más. La escena de persecución en Marruecos es de lo mejor que he visto desde hace mucho en una sala de cine. También es útil una historia con fundamento, y para eso, el director americano ha mezclado tres cómics: El cangrejo de las pinzas de oro, El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo.

Con este recurso soluciona el problema de como conoce al Capitán Haddock (el mejor de la película sin duda) y logra un argumento sobresaliente. Además, la explicación de la trama es brutal. Se utilizan una serie de flashbacks que transportan la película a una batalla naval que no se ve ni en Piratas del Caribe. Pero este recurso también tiene su parte negativa. La historia no queda resuelta y tendrá una segunda parte con un final muy abierto, un tipo de conclusión que no me gusta.

No todo es bueno, como se puede ver. Hay dos detalles más que no me terminan de encajar. La aportación de Hernández y Fernández es totalmente innecesaria, y la subtrama del carterista no tiene apenas sentido. Es un buen recurso para explicar algunas cosas, pero queda la sensación que estos dos personajes podrían ser más aprovechados.

Otro detalle importante es el público al que va dirigido la película. No sé si catalogar esta circunstancia como buena o mala, pero es que es una película demasiado infantil para los adultos y demasiado adulta para los niños. Se queda un poco en tierra de nadie, aunque los más adultos sí la podrían disfrutar más por las escenas de acción. Está bastante concebida para que los niños se acerquen a este personaje, pero no termina de cuajar entre los más pequeños.

Y aquí es cuando Tintín y Haddock se enteraron del gol de Iniesta

El resultado es un Tintín que no es el de los comics, pero que ojalá la fuera. Personalmente, al salir de la sala de cine, me entraron ganas de leerme alguna historieta, pero después acabé recordando los comics y los dibujos animados y se me quitaron. Y a Milú... ¡como odio a Milú! Y por cierto, un sobresaliente para los títulos de crédito, inspirados en las muchas y más míticas aventuras del cómic y muy basada en Atrápame si puedes.

LO MEJOR: Encontrar al Spielberg que se esperaba en Indiana Jones. La acción que transpira esta película está al nivel de lo que se espera en una cinta dirigida por él y también producido por el mismo Steven junto a Peter Jackson. Sin duda hay que quedarse con la persecución de Marruecos y la historia de los barcos

LO PEOR: Ese final tan abierto y sobre todo, el no quedar segmentado su público. Ni los niños la disfrutan como deberían ni lo adultos tampoco.

NOTA: IMDB: 7,9. Filmaffinity: 7,6. PyP: 7,5. Un notable golpe en la mesa de Spielberg, que demuestra dominar algo en lo que todavía no había destacado: la captura de movimientos. Ahora sólo queda saber si para la segunda parte volverá a dirigir o le cederá el testigo a Peter Jackson. Y quien me iba a decir a mí que iba a decir esto... ¡esperaremos ansiosos a la segunda parte!

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Crítica: Somewhere

¡He vuelto! no sé por cuanto tiempo pero he vuelto. Y os dejó con algo de cine:

Han pasado ocho años desde que Sofia Coppola dejó a todo el mundo sorprendido con Lost in traslation, y doce desde que dio el salto a la fama con Las vírgenes suicidas. Quedó claro con María Antonieta que el cine comercial y de alto copete no es lo suyo, y por eso en 2010 se embarcó en Somewhere, película en la que vuelve a sencillez de estilo, pero a la vez con una historia más simple que las casas de Dogville.

El nuevo trabajo de Coppola (como nos engañamos diciendo esto y pensando en los buenos tiempos de su padre) deja bien a Sofia pero mal a la película. Mejor explicarse. La labor de la directora es muy buena, con planos largos y muy trabajados, pero que no le hacen ningún bien a la historia, ya de por sí un poco anodina. Sobre todo, la primera mitad en la que intenta contextualizar la vida de Johnny Marco (StephenDorff), se hace pesada y quizás una tijeretazo en el metraje hubiera venido de perlas.

¿Quién es Johnny Marco? Un actor de bastante éxito, divorciado, y que vive en un hotel junto con su compañero de farra. Es un hombre pasado de todo, capaz de quedarse dormido ante un doble steptease de unas gemelas en su habitación o cumpliendo con una linda señorita de cabellos rubios. Mucha fiesta y alcohol por todos lados que se une a la promoción de su último estreno cinematográfico... un estrés que muchos desearían.

Compendo a Elle. Yo también estaba así la primera media hora de película

Pero también el señor Marco tiene su parte amable. Con su ex mujer tiene una hija, Cleo, interpretada fabulosamente por Elle Fanning, y que es donde la película cobra sentido por fin. Cleo ha de quedarse con su padre durante un tiempo porque su madre tiene que viajar. Ahí, Johnny se da cuenta de lo mucho que desconoce a su hija, y es que no suele pasar mucho tiempo con ella. Esto implica que hasta viajará con él a Italia para presentar su película, lo que estrechará mucho los lazos entre ellos.

Sinceramente, me gusta mucho la parte de Italia. Es quizás la parte más entretenida de la película, crítica a la televisión italiana incluida. La ceremonia de premios con ese baile y la entrevista de la reportera dejan muy claras las críticas que Sofia vierte ante la televisión de sus raíces.

Pero lo más destacable de la película es Elle Fanning. Hay que aplaudir a la directora que confió en la pequeña de las Fanning para llevar el papel más importante de la película antes de que diera el boom con Super 8. La chica, que tiene ahora sólo 13 años, tiene un futuro prometedor sino coge el camino de otras pequeñas estrellas como Haley Joel Osment o las gemelas Olsen. Lo único que da sentido y funciona como pegamento en esta obra, es ella.

Planos debajo del agua. Siempre funcionan.

No es de extrañar la importancia del personaje de Cleo, y es que podemos encontrar una pequeña Sofia Coppola en ella. Cambiemos actor de éxito por director y ¡bam! ahí la tenemos. Y como muestra tenemos lo que le dice Johnny en el final (tranquilos, no habrá spoiler) donde vuelve a pasar lo de Lost in traslation: un comentario que no se puede oír, pero con los papeles cambiados, ya que esta vez la que no sé sabe si lo oye es Cleo y si lo sabe el espectador.

LO MEJOR: Elle Fanning sin ninguna duda. Con sólo trece años tiene un talento impresionante y da gusto como se desenvuelve en el papel de Cleo. A esta chica hay que seguirla de cerca.

LO PEOR: La primera mitad de la película. Muy lenta y eso hace que cueste entrar en la historia, ya de por sí muy simple.

NOTA: IMDB: 6,4. Filmaffinity: 5,9. PyP: 5. La película alcanza el suficiente gracias a Elle Fanning y a la dirección de Coppola. Lost in traslation le ha dejado el listón muy alto a la directora, y creo que Somewhere le ha hecho mucho bien ya que ha sido dar un golpe de autoridad. No creo que le haya salido como ella quería, pero es hacer el cine que ella quiere. Que narices, no estoy aquí para ser objetivo, Sofia Coppola me cae bien. Pero la película se salva por ellas dos.

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Crítica: ¿Para qué sirve un oso?

Tengo muchas críticas pendientes y poco tiempo para dedicarle al blog. Pero se intentará mantenerlo, lo prometo. Vamos a retomar la vena cinéfila con la crítica de ¿Para qué sirve un oso?, una de las películas triunfadoras del Festival de Málaga con tres Biznagas de Plata.

¿Para qué sirve un oso? Es una comedía de fondo ecológico que intenta concienciar a través de la risa. Para ello, Tom Fernández ha repetido con el reparto de su primera película, La torre de Suso, y es que la pareja Javier Cámara-Gonzalo de Castro es posiblemente, de las mejores que se puede encontrar en todo el cine español. La química surgida en 7 vidas continúa existiendo años después y no se descartaría que este dúo siga apareciendo en más películas.

La película cuenta como Guillermo, un geólogo (Javier Cámara) que trabaja en el Polo Norte, encuentra un brote de vegetación y se vuelve a su casa desencantado con el mundo, ya que el deshielo de los polos es ya insalvable. En casa está la niñera (Gerladine Chaplin) que cuidó de él y su hermano cuando eran pequeños. Ella le obliga a buscar a su hermano Alejandro (Gonzalo de Castro), un zoólogo experto en osos que vive en el bosque intentando salvarlo de una inmobiliaria al buscar un oso que demuestre que debe ser paraje natural.

Junto con De Castro vive “el chaval” (Jesse Johnson), un aspirante a zoólogo americano que admira la figura de Alejandro y que queda enamorado de la maestra del pueblo, Rosa (Oona Chaplin). Para completar el reparto está Natalia (Emma Suárez), la veterinaria que se encarga de atender a Alejandro, y su hija Daniela (Sira García).

La trampilla con la que al gente queda atrapada es un recurso muy usado en la película

Si destacable es la pareja protagonista, habría que quedarse con la actuación de la pequeña Sira García. La niña de tan sólo ocho años, pese a que su peso en la película es poco y sobre todo al final, encandila a todos con su inocencia a veces fingida y a veces descontrolada. Pese a que ahora no tiene ningún proyecto (es todavía muy pequeña), ahí hay una gran actriz metida en un pequeño cuerpo todavía. Pero quien se lleva la palma es Geraldine Chaplin. Sus breves apariciones le valieron la Biznaga de Plata en Málaga muy merecidamente. Cada vez que aparecía conseguía sacar una sonrisa al público, además de tener el papel de ser la responsable de que se desencadene la historia.

En donde flojea la película es en la historia. Se centra demasiado en querer tener una moraleja y se olvida que son 100 minutos en los que tiene que haber un argumento. Sino fuera por el buen hacer de los actores, del director (que casualmente también es el guionista) y sobre todo, de la fotografía, la película quedaría muerta. Incluso dentro de los actores hay cosas raras. La historia de “el chaval” y Rosa sobra bastante y parece que está de relleno. No hubiera pasado nada si esa historia no ocurriera y la película durara 80 minutos. Es más, hubiera ganado mucho, ya que una comedia como esta, debiera ser fácil de ver y ligera. Planteado lo que se plantea, 100 minutos me parece mucho tiempo y hace que el espectador se sienta cansado.

Tratar con Daniela requiere de mucha paciencia

Un gran acierto, a la vez que una necesidad, ha sido la fotografía. Una película ecologista como está necesitaba un ambiente óptimo para ello. La fotografía y la localización han sido fundamentales. Los paisajes asturianos a los que parece que Gonzalo de Castro esté abonado, unido a la labor de Arnau Valls, forma un ambiente bucólico al que todos desearían ir. Sin ninguna duda, el gran atractivo de este filme.

LO MEJOR: La pareja Cámara-De Castro y la fotografía. A quien le guste la pareja protagonista, disfrutará mucho de la película
LO PEOR: Una historia bonita perr sosa, contada de una forma algo aburrida. Elementos que sobran. Con otros nexos hubiera sido mucho más destacable.
NOTA: IMDB: 4,7. Filmaffinity: 5,5. Partido y Peli: 5,5. La película gana con el tiempo. Cuando sales del cine estás un poco que no sabes si te ha gustado o no, pero con el reposo la vas reflexionando y ves que tan mal no ha estado. Te ríes, tiene un mensaje bonito, pero ya está. No es ningún imperdible, pero su visionado es agradable.

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Crítica: Sucker Punch

Ahora mismo, si hay algo importante en mi mente es el Festival de cine español que se esta celebrando en Málaga. Estoy haciendo un reportaje y varias entrevistas para NOVEmagazine, revista que ya publicitaré en su momento por aquí, y la verdad que es una experiencia genial. Pero como no solo de cine español vive el hombre, os dejaré con chuletón americano: Sucker Punch.

Zack Snyder tiene más talento en un travelling horizontal o en un zoom in que muchisimos directores en 120 minutos de película. Esto lo lleva demostrando desde 300 y en Sucker Punch, aunque es de inferior calidad, nos deja muestras del genial director que hay detrás. ¿Y qué nos cuenta el bueno de Zack? Una historía distinta, quizás no muy brillante; pero narrada de una forma sublime.

Desde el comienzo de la película, con la música de Sweet Dreams sonando en la voz de Emily Browning (que interpreta a la protagonista, Baby Doll), ya deja clara las intenciones técnicas. Sin soltar ni usa sola palabra, se nos cuenta como la pobre chica es arrastrada por su padrastro a esa especie de psiquiátrico o internado tras matar por accidente a su hermana.

Realmente, en ese psiquiátrico, y por un dinero extra, se le practicaría una lobotomía. Eso sería en cinco días, los suficientes como para que Baby Doll quisiera escapar de ese lugar. Y las palabras de la terapeuta y bailarina Vera Gorski (Carla Gugino) que allí reside, le ayuda a hacer su plan: dejar volar la imaginación. Baby Doll domina su mente y ella puede hacer de todo mientras que el viejo magnetofón de la señora Gorski esté funcionando.

Mas de uno pediría un videojuego de esta película. Debe ser increíble

Pero Baby Doll no estará sola. Contará con la ayuda de Rocket (Jena Malone), Amber (Jamie Chung), Blondie (Vanessa Hudgens) y Sweet Pea (Abbie Cornish). Ellas actuarán mientras Baby Doll hipnotiza a todos con su baile. Lo que pasa que cuando ella baila, su mente se abstrae y encuentra con un anciano (Scott Glenn) que les guía en su misión. Deben encontrar un mapa, una llave, un fuego, un cuchillo y resolver un misterio.

Dentro de las ensoñaciones de Baby Doll se pueden ver escenas de acción impresionantes. Peleas con dragones, con totems, con nazis zombis o, por ejemplo, un grandísimo plano secuencia en una lucha con robots. Todo esto para conseguir escapar de las manos del jefe: Blue (Oscar Isaac). Sin duda este es el plato fuerte y lo que vende la película, una acción impresionante. Porque, seamos sinceros, el argumento no da para mucho más.

Lo que más flojea es el final. Snyder quiere rizar mucho el rizo y queda muy atropellado y confuso. No destriparemos nada aquí, pero parece que ha intentado ser mas listo que el público sin serlo, y además el mismo público se da cuenta.

LO MEJOR: El director que hay detrás del proyecto y sobre todo, escenas de acción que dejan con la boca abierta a cualquiera. Comprendiendo el contexto de esa acción, el público se lo puede pasar en grande.
LO PEOR: El final. La historia tiene mucha lógica y está muy bien hasta cierto punto en el que Zack Snyder quiere sorprender, pero en lugar de eso, te deja pensando en que quería hacer.
NOTA: IMDB: 6,8. Filmaffinity: 6,2. Partido y Peli: 8. Como siempre digo, las notas y las críticas en cine tienen mucho que ver con los sentimientos y el contexto del que ve la película. Y sabiendo a lo que te expones, sabiendo quien dirige, y queriendo ver acción, no se puede elegir mejor película ahora mismo.

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Road to the Oscars 2011. Crítica: Valor de Ley

El oeste mola. Hay disparos, armas antiguas, malos modales, zarzaparrilla, vaqueros y hace calor. Marge Simpson dijo una frase en un episodio de la su serie con mucha razón: “El western es un género que tiene que volver”. Y le doy toda la razón. Aquí está Valor de Ley.

Los hermanos Ethan y Joel Coen se adentran por primera vez en el viejo oeste. Lo hacen con un remake, de Valor de Ley de 1969, y que le valió el Oscar a John Wayne. A los Coen les gustan los retos y no podían dejar escapar la oportunidad de ponerse detrás de las cámaras de un western como este. Y para asegurarse el éxito, se rodearon de grandes nombres, como Jeff Bridges, Matt Damon o un renacido Josh Brolin.

La historia cuenta como Tom Chaney (Josh Brolin) mata vilmente al padre de Mattie Ross (Hailee Steinfeld). Chaney huye y Mattie quiere venganza. En su pueblo le aseguran que los alguaciles no podrían hacer nada porque Chaney es el último en una larga lista de forajidos, así que se tiene que buscar la vida para encontrar alguaciles que acepten una recompensa.

Mattie contrata a Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un viejo alguacil con poca moralidad, pocos modales y pocos ojos. La niña también encuentra a otra persona dispuesta a coger a Chaney. Es el ranger de Texas LaBoeuf (Matt Damon), que le lleva persiguiendo varios meses por crímenes cometidos en el estado sureño. Pero a Mattie el trato no le convencía ya que sería ajusticiado en Texas y no en su pueblo, por lo que descartó su ayuda.

Contratado y contratante buscando a Chaney

Que Mattie le descartara no quiere decir que Rooster lo hiciera, y buscó su ayuda para encontrar a Chaney y después repartirse la recompensa tejana. Los tres emprenderán la búsqueda del forajido en territorio indio, siguiendo las pistas que van encontrando.

Fotografía excelente, ambientación muy buena y un ritmo bastante acertado. Valor de Ley es un soplo de aire fresco en el mundo del western, pero aún así, sales del visionado de la película con la sensación de que se podría haber aprovechado mucho más. No sabes  si estás viendo una cinta de aventuras, una comedia o un drama. No termina de definirse. Además, el desarrollo de los personajes se queda plano, salvo en el caso de Cogburn que aunque poco, si evoluciona.

Sin lugar a duda, lo mejor de Valor de Ley es Jeff Bridges. Una vez más demuestra que su calidad como actor es indudable. Ya conocía a los Coen de El gran Lebowsky y la química existía. Además, el papel de Cogburn le venía como anillo al dedo. Sin duda, la academia del cine americana ha vuelto a meter la pata al premiar a Bridges por un papel (Corazón rebelde) que no fue tan bueno como otros.

Lastima que no exista la categoría de actriz revelación en los Oscars, porque Hailee Steinfield se hubiera llevado el galardón de calle. También es una lastima que el doblaje en español se cargue la brillante actuación de la chica de tan solo 14 años. Steinfield lleva el peso de la película, siendo la narradora y el eje conductor, y lo hace sin resentirse. Con un look a lo Miércoles Adams, muestra la templanza y el valor que su personaje necesita.

Matt Damon con bigote... ¡lo que me faltaba por ver!

Y bueno... que decir de Matt Damon. Es alguien con quien quizás no pueda ser objetivo. Los que me conocen saben que no siento especial predilección por este actor, y Valor de Ley no me ha hecho cambiar de opinión. Es más, parece que él mismo sabe de sus capacidades y elige papeles para quedar mal. Aquí, por mucho bigote que se ponga, es pura comparsa. Sin expresión, y sin ninguna credibilidad tras decir: “Soy un Ranger de Texas” al más puro estilo Chuck Norris, es un personaje que quizás en otro actor, habría dado mucho más juego. Pero las cosas como son, mal del todo no está

LO MEJOR: Principalmente, Jeff Bridges, haciendo de vaquero de los antiguos, de los respetables. Más genéricamente, que el western vuelva al cine poco a poco.
LO PEOR: La sensación de que la historia podría haber dado para más. Muchas cosas pasan porque sí, y dejan a los personajes sin evolucionar, detalle que hubiera dado más color a la cinta
NOTA: IMDB: 8,1. Filmaffinity: 7,3. Partido y Peli: 7. Buena película, en la línea de los Coen, pero en esa misma. Virtud y defecto a la vez. Pero las grandes actuaciones de Bridges y Steinfield elevan a la cinta al notable. Y buena labor la de los directores, una dirección excelente desde luego.

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Crítica: En los próximos tres días

Russell Crowe como protagonista y Paul Haggis como director. Se apetecía una buena velada de cine. Bien es cierto que hasta que pise el edificio, no había oído hablar de la película, pero con esos ingredientes, se apetecía interesante. ¿Resultado? Continúa leyendo y lo sabrás.

En los próximos tres días es un thriller que muestra el punto de desesperación que puede llegar a alcanzar un padre de familia que ve como se llevan a su mujer arrestada, por un delito que él piensa que no ha hecho, y delante de su hijo pequeño. Al ver como la justicia no funciona, este padre de familia pretende, al más puro estilo Prison Break, que su mujer se fugue de la cárcel para empezar una nueva vida.

Al padre de familia lo encarna Russell Crowe, que lleva todo el peso interpretativo y lo resuelve con solvencia. El físico que luce, mucho más entrado en carnes que en años anteriores, le obliga a encarnar personajes como este, mas psicológicos, y que se alejan de gladiadores pasados. Por eso, su elección para Robin Hood no fue quizás la más adecuada, y parece que Crowe se ha dado cuenta. Le acompaña (si se puede decir así) Elizabeth Banks, que hace de su mujer y que no llega a hacerse apreciar en la cinta.

Es destacable dos cameos de renombre. Olivia Wilde como madre de una compañera del hijo de Crowe, y Liam Neeson, en el papel de un fugado de la cárcel. Esos detalles están bien, hacen "popular" a la película. Son guiños que al público le gusta, pero que a la vez, te deja un poco con mal sabor de boca. ¿Se podrían haber aprovechado más estas apariciones? El papel de Olivia Wilde es totalmente plano y el de Liam Neeson podía haber aparecido alguna otra vez.

El matrimonio Brennan, una pareja muy peculiar

Pero también te llevas grandes sorpresas. El agente Lieutenant Nabuls, interpretado por Lennie James, es totalmente inolvidable. Nabuls debe ser el agente de policía más listo del mundo, ya que adivina todos los pasos que Crowe tomaba, eso sí, demasiado tarde. Pero ahí estaba, por muy rocambolesco que fuera la situación, adivinando lo que pasaba. Parecido es el detective Queen (Jason Beghe) que adivina las cosas pero muy tarde para actuar. Muuuuuuy tarde.

En los próximos tres días es un remake que se puede calificar como un poco innecesario. Hace tan solo unos años de la original Pour Elle, y es una autentica fotocopia de esta. Eso sí, bastante más masticada para el espectador, ya que Paul Haggis se ocupa de que no pueda haber ningún malentendido ni deja nada a la imaginación. ¿Eso es bueno o malo? Pues según para quien. Hay personas que les gusta que le den las cosas obvias, no porque sean cortos, sino porque debe quedar todo cerrado; y otras que prefieren dejar elementos para que el espectador fabrique conclusiones. ¿Para mí? Una mezcla de ambas sería lo correcto.

Olivia Wilde es de lo más sorprendente en la película. ¿una actriz de su calibre para ese papel?

También hay algunas escenas un tanto raras. Parece que están hechas para rellenar y hacen que el ritmo de tensión se venga abajo. Sobre todo la parte del hospital, hay concretamente dos escenas que no sé si es a propósito o no, pero que por intentar arrancar una sonrisa, rompe esa carga de adrenalina que llega a alcanzar la escena.

LO MEJOR: Ver que Russell Crowe sigue siendo un tipo duro. La edad y el físico solamente le trasforman en la elección de papeles, pero sigue siendo uno de los duros y carismáticos de Hollywood.
LO PEOR: Como la historia se alarga sin venir a cuento. A veces pienso que hace años, películas así se hacían contando todo en hora y media. Ahora parece que para decir lo mismo, hace falta mucho más tiempo.
NOTA: IMDB: 7,3. Filmaffinity: 6,5 Partido y Peli: 5. Creo que es una película entretenida. Entretenida para verla una noche en Antena 3 que no tengas nada que hacer, o en una de estas tardes de fin de semana. Pero no veo que de para más. Un argumento muy trillado, pero con buenos nombres en el reparto. La película aprueba por Crowe y por la tensión que si sabe imprimir en ciertos momentos.

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Crítica: El bueno, el malo y el raro

Entre mi grupo de amigos tenemos la teoría de que el western es un género que tiene que volver. Sus años dorados ya pasaron, pero su reflejo aún perdura en el cine actual. Mientras esperamos a Cowboys and Aliens, ayer pude ver como los coreanos se apuntaban a esto del viejo oeste en El bueno, el malo y el raro.

En plena invasión de Corea por parte de Japón, un ladronzuelo que atracaba un tren encuentra un mapa. Ese mapa también era buscado por un hombre trajeado y toda su banda que a su vez era perseguido por un cazarrecompensas. Ese mapa esconde un tesoro que los tres buscarán con tesón, pero la situación se complicará más cuando los ejércitos japoneses y coreanos se meten en la disputa por la fortuna.

La película está MUY bien dirigida. Ji-woon Kim hace una labor impresionante, con unos planos espectaculares. Muchos de estos planos hacen que te teletransportes al viejo spaguetti western de Sergio Leone, al cual no hace más que homenajear en toda la cinta.

La primera escena en el tren es de lo mejor de la película, ya que quedan definidos los personajes y a raíz de eso, sabes como transcurrirá la película. Me quedo con la parte en la que se ven uno por uno en un plano secuencia a todos los que viajan en el vagón donde 'El raro' roba el mapa.

El malo, vestido elegantemente, busco con ese mapa un sentido a su vida

 La película tiene un gran problema. Los coreanos no tienen gracia haciendo chistes. Si es cierto que hay escenas con las que te ríes bastante, pero se abusa demasiado de el personaje de 'El raro' para intentar hacer reír a la gente. La situación en la sala era, como el personaje, rara, y el público estaba demasiado entregado a la causa. En serio, llegue a oír que alguien aplaudía cuando un personaje sacaba unos prismáticos.

Pero la película donde más destaca es en su apartado de acción. Toda el largometraje se guía por los constantes tiroteos, donde las balas solo se acaban por exigencias del guión, y la puntería solo es buena cuando se requiere. Esto, unido a las persecuciones, hace que la cinta tenga un ritmo frenético y sea imposible aburrirse. Los caballos se mezclan con los jeep y los sidecars, sobre todo en la penúltima escena de acción, donde todos pelean contra todos.

El bueno, el cazarrecompesas, para mi sin duda el mejor de la película

El aliciente de ver esta película era ver a los asiáticos rodar un western. Es algo complicado de hacer, pero la mitad del cine que se crea en la actualidad viene de allí y no hay que dejarlo de lado. Es interesante ver como se trabaja allí y salir un poco de la rutina de Hollywood. Y como se ha visto en esta película, en muchísimos apartados no tienen nada que envidiar a los americanos.

Lo mejor: El manejo de la cámara. Hay planos secuencia que son impresionantes y la dirección hace que todas las posibles carencias de la cinta queden reducidas.
Lo peor: La continua búsqueda de la risa del espectador que termina cansando. El personaje de 'El raro' termina convirtiéndose en un payaso y no le hace ningún bien a la película.
NOTA: IMBD: 7,4. FilmAffinity: 6,7. Partido y Peli: 6. Quizás sea la falta de costumbre de ver cine asiático, pero pese a que la película está muy bien, sigue siendo rara. Ellos están acostumbrados a otro tipo de cine, que no tiene porque ser peor, y quizás con algo más de costumbre, podría valorar mejor esta cinta. Lo que sí es seguro que viéndola echarás un buen rato y para los amantes del western, es una experiencia que deben vivir.

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Crítica: Machete

-Pero si Machete no manda mensajes.
-Machete improvisa

Robert Rodríguez se convierte en el rey de la serie B gracias a Machete, la historia de un policía federal mexicano, que encarna Danny Trejo, que es traicionado por su país y es un hombre sin identidad en EE.UU. junto con un montón de inmigrantes. El senador de Texas quieres expulsar a todos los mexicanos y mata a todo el que se encuentra por su camino. Machete tendrá que evitar eso gracias a los compañeros que va recolectando para su lucha.

Y esos compañeros son Ella (Michelle Rodriguez), una revolucionaria mexicana que dirige 'La red' ayudando a entrar al país a los inmigrantes y ocupándose de que cuando lleguen, tengan trabajo y no delincan; la agente de policía Sartana Rivera (Jessica Alba), otra mexicana que trabaja en inmigración; y de su hermano, el sacerdote Cortez (Cheech Marin).

Del otro lado nos encontramos a los que quieren cerrar la frontera. El senador McLaughlin (Robert de Niro), tiene contratado al agente Von Jackson (Don Johnson) para llevar a cabo su limpieza, y a Michael Booth (Jeff Fahey) como su asesor político para manejar todos los hilos. Pero detrás de todos ellos está el narco Torrez (Steven Seagal).

Pese a que Seagal se comió a Seagal, sus momentos en pantalla son de lo mejor

La película empieza con un ritmo lento. Es un gustazo ver la forma de rodaje de Rodriguez, que capta a la perfección ese tono de película de serie B que necesita la cinta. Pero lo más flojo que se ve, es como el director ha tenido que enlazar la historia para que el trailer falso que realizó en Grindhouse pudiera ser una realidad. Pero seamos sinceros, ¿Quién va a ver Machete por su historia?

El que paga por ir a ver esta película busca chicas guapas, casquería y si puede ser que esa casquería lleve implícito unas risas, mejor. Y de eso Machete tiene bastante que ofrecer, aunque menos de lo que pensaba. Hay cuatro enfrentamientos grandes en la película y la verdad que a cada cual, es mejor. El primero en la cabaña con una ranchera de fondo, espectacular. La fuga del hospital y esa escena de rápel, impresionante. En la iglesia, magnífico. Y sin duda, el enfrentamiento final, que es sobresaliente.

No hay nadie como Machete manejando su idem

Por lo demás, la película queda un tanto vacía. Lo que la llena es ver a un reparto inverosímil. ¿Quién podría imaginar que compartirían película a la vez Danny Trejo, Robert de Niro, Steven Seagall y Lindsay Lohan? Y hablando de esta última, intrigante es su personaje sobre todo al final, en el que (Peligro, pequeño spoiler) se convierte en monja para vengar a su padre (Fin de spoiler) y parece que queda pendiente por desarrollar para una posible segunda parte.

Porque sí, seguramente, Machete tenga segunda y tercera parte. Parece de broma ese final poniendo que próximamente se estrenaran Machete kills y Machete kills again, pero también empezó como broma este proyecto y mirad en lo que se ha convertido.

Lo mejor: El final. Tras unos momentos en los que la película baja la intensidad, el último cuarto de hora es una obra maestra de la serie B. En muchas ocasiones entran ganas de levantarse y aplaudir de lo inverosímil de la situación.
Lo peor: Una historia demasiado floja. Pese a que en este tipo de películas no importe demasiado, los momentos de bajón en los que entra a veces se verían reforzados con algo que contar.
NOTA: IMDB -> 7,4 Filmaffinity -> 6,2 Partido y Peli -> 7. La película por como transcurría iba para un 6, o un 6,5 como máximo por esos momentos de bajón que hemos descrito antes, pero la pelea final me ha impedido no ponerte un notable a esta película. Para los que aman la serie B, un imperdible.

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